30 de junio de 2011

Treme


Me cuesta mucho definir Treme (HBO, 2010-...) porque casi siempre me da la sensación de que todo lo que diga nunca será suficientemente. Pero voy a intentarlo. Treme es un relato realista y costumbrista, tan interesado en el qué y a quién como en el dónde. Una serie que se centra en un espacio definido, la multicultural ciudad de Nueva Orleans, y en un tiempo concreto, los días y meses posteriores a la catástrofe del huracán Katrina. Una historia en la que sus personajes tratan de sobreponerse a ritmo de jazz ante una situación impuesta por la madre naturaleza pero sentenciada por las personas. Que habla sobre la reforma y el optimismo a la vez que lo hace de las miserias y del tragar y seguir adelante. Eso es Treme, y como sospechaba al principio de este párrafo, seguro que me estoy dejando demasiado por decir.

Treme expone la acción desde diferentes puntos de vista para dar a conocer un todo global que ayuda a interpretar ya no solo a unos personajes y sus acciones, si no a la sociedad que les envuelve. Lo hace a ritmo lento pero seguro, como una línea de bajo, y difuminando tanto los temas que aborda que en la mayoría de las ocasiones parecen que no estén ahí. Y ahí están, sin subrayados, pero están. Los entresijos y corruptelas de la clase política, lo antiguo contra lo moderno, la anquilosada tradición, el orgullo patrio, el  crecimiento personal o la caída a los infiernos. Y, como ya saben, me estoy dejando demasiado por decir.

En esta segunda temporada hemos estado siendo testigos del desarrollo de unos personajes que, por unas o por otras, han tenido que ir acoplándose a la vida según les venían dadas. Así, la fortaleza definitoria de Ladonna (posiblemente uno de los personajes más fuertes y constantes durante los diez primeros episodios) se transforma en la más absoluta de las fragilidades debido a la catarsis de una violación, y en un caso opuesto, la constancia y el trabajo del frágil Sonny le sacan a base de esfuerzo del infierno autodestructivo en el que estaba metido. Un tipo de contraste muy presente en toda la serie, posiblemente mejor representado en la batalla entre lo nuevo y lo antiguo que Delmond y Albert Lambreux mantienen constantemente entre sí y, que de paso, nos acerca en un tono realista y casi documental a los mudos del jazz y las tradiciones indias. Casi nada.

Pero Treme no es solo disputa y catarsis, también es esperanza y regeneración. Ahí tenemos los casos de Antoine Batiste y sus apóstoles del soul o a DJ Davies y sus esperanzas de poder ser tan buen músico como entendedor. Aunque no todo son alegrías ambos intentan salir adelante aferrándose a lo que más aman en la vida, la música, que como toda amante trae problemas consigo. Por mucho empeño que le ponga, Antoine envejece sin poder mantener un modo de vida seguro gracias a la música, por lo que tiene que acercarse al sector de la enseñanza, que le ofrece una nueva visión de futuro y de bienestar personal y profesional. Por su parte, Davies vive una experiencia parecida. Relegado en casi todo lo que hace a permanecer en un segundo plano, el que posiblemente sea el personaje más bufón de la serie va, poco a poco, tornándose en un ser melancólico debido a los continuos reveses que sufren la mayoría de sus expectativas. El reverso a todo ello lo representaría Janette, otro personaje arraigado a su tierra y el amor a lo que hace que, paradójicamente, empieza a encontrar la estabilidad perdida alejándose del lugar al que cree que pertenece, pero en el que cada día se torna más complicado mantener raíces.

Y sobre todo la muerte. La muerte como culminación y ejemplo final. La temporada anterior explotó con el suicidio de un impotente pero, como su propia mujer se encargaría de explicar después, cobarde Creighton Bernette, desbordado al enfrentar la cruda realidad. Daban igual todos los intentos, Nueva Orleans etaba marcada desde mucho antes que el huracán devastara la ciudad, y done el veía oportunidad y reforma solo había oportunismo y dejadez. Siguiendo ese camino, durante la segunda temporada se observa como la ciudad está sumida en un caos cada vez mayor que acentúa las partes negativas de esta. Y todo apunta a que la ruptura entre los distintos estamentos cada vez es mayor. La investigación de Tony o los problemas internos dentro del cuerpo de policía reflejado en el teniente Terry son muestras de esta escisión que apuntan la llegada de tiempos duros. Tiempos reflejados en el asesinato de Harley por parte de un ladronzuelo, que nos subraya que el ambiente festivo y comunitario característico de la zona prende de un hilo muy fino.

Es casi un milagro que algo como Treme este en antena, incluso en HBO. Vive más del prestigio y abonados que representa para la cadena que de unas audiencias bastante bajas incluso para la televisión de cable. Más cercana a un compromiso con lo real más cercano al periodismo que a los elementos clásicos y característicos de la ficción, la serie de David Simon y Eric Overmyer se mueve lenta y constante y se cocina sin alicientes que aligeren su peso. Y es que en estos tiempos dominados por al cultura del aquí y ahora y del consumo rápido, Treme es una pequeña isla que pide mucha atención a unos espectadores acostumbrados a no desarrollarla demasiado.

Y tengo la sensación de que me dejo tanto, tanto...

27 de junio de 2011

El alien aburrido con TV de cable: #001 PUM. LOST.

Basura and TV se enorgullece de traerles cada semana las aventuras del alien aburrido con televisión de cable, una tira ¿cómica? con la ¿vocación? de ¿analizar? el mundo de las series desde la perspectiva de un extraterrestre azul con mucho tiempo libre.

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El Twitter del alien  |  El Tumblr del alien

25 de junio de 2011

The Killing y las expectativas

Al igual que la detective Sarah Linden, dejamos atrás la oscura y lluviosa Seattle con la revelación de que, para bien o para mal, no todo era como esperábamos. Ya comenté en su momento mis impresiones sobre The Killing y las mantengo, pero me pareció interesante comentar el final de su primera temporada, el descontento generalizado y desproporcionado que provocó y lo mucho que me gustó a mi. Sobra decir que si no lo has visto no deberías continuar leyendo.


La reacción que provocó la no-conclusión del caso Rosie Larsen, sobre todo en una gran parte de la crítica televisiva americana, es un buen ejemplo para estudiar los efectos de la cultura de la opinión inmediata en la que hoy vivimos gracias a la web 2.0. Donde antes habían análisis sesudos y bien argumentados, hoy hay carreras por ofrecer la opinión más cruda e intencionalmente polémica lo antes posible. De esta manera se pueden leer opiniones de críticos habitualmente serios y coherentes, transformados en adolescentes llorando porque una serie no les dio lo que esperaban. Los mismos argumentos que mucho pusieron como defectos, para quien escribe son las principales virtudes de The Killing: Veena Sud, encargada de la adaptación de la obra original danesa y jefa guionista, jugueteó durante toda la temporada con la fina linea que separa la mentira de la distracción (qué bien suena red herrings). En mi opinión The Killing, aunque es más accesible, es una serie similar en ciertos aspectos a la cancelada (pero genial) Rubicon: pretende ser un anti-drama policial procedimental, estirando un caso a lo largo de la temporada y entrelazando la investigación con el drama personal de los involucrados. El principal problema es que no todos las tramas fueron igual de convincentes ni interesantes. Sin llegar a ser un bache, el segundo tercio de la temporada si fue un valle de intensidad y calidad en los guiones.

Pero las principales culpables de que The Killing dejase molesto a más de uno fueron las siempre jodidas expectativas. Tomando como referencia a Forbrydelsen y los posters promocionales con el sugerente eslogan "¿Quién mató a Rosie Larsen?" todos creímos que la temporada sería autoconclusiva y cuando descubrieron que no lo fue, algunos decidieron enfadarse con la televisión y otros decidimos disfrutar con la sorpresa. Sud y sus secuaces no solo no cerraron el caso Larsen, sino que dejaron una serie de cabos sueltos realmente interesantes y coherentes con lo sucedido durante la temporada[1]. El asesino de Rosie en el aire, Richmond muerto y/o arrestado injustamente, Holder corrompido por intereses misteriosos y Linden fuera de escena pero consciente de la situación. Personalmente creo que la siguiente temporada atacará un nuevo caso (posiblemente relacionado, la mafia a la que pertenecía papá Larsen tiene buenas opciones) y tratará el caso Larsen/Richmond a la vez.

En definitiva, el tramo final de The Killing no solo me pareció más que correcto, sino que aumentó considerablemente mi interés por la serie. Sin ser una maravilla como sus hermanas, es digna portadora del sello de calidad aMC, un drama policial sólido, de ritmo calmado y con señas de identidad originales que la desmarcan favorablemente dentro de su género. Y si encima tiene a dos protagonistas como Linden y Holder, para mi los policias más interesantes de la temporada[2], sin duda estamos ante una serie de alta gama.

[+] Miss McGuffin explica muy bien todo este tema y también dejo 2 ejemplos de opiniones diametralmente opuestas: Los Angeles Times y What's Alan Watching.
[1] En más de una ocasión se nos dieron motivos para sospechar de la integridad de Holder y de la inestabilidad de Belko.
[2] Brillante el decimoprimer episodio, escrito por la propia Veena Sud, en el que la investigación se ve bloqueada por una orden judicial y aprovechan para "embotellar" a los protagonistas y profundizar en sus personalidades. Los 3 últimos episodios fueron excelentes.

24 de junio de 2011

Próximamente...


Permanezcan atentos a sus pantallas, sean de la galaxia que sean.

21 de junio de 2011

Juego de Tronos


Tal como hiciera La Guerra de las Galaxias con la ciencia ficción, El Señor de los Anillos supuso para el fantástico una revitalización en toda regla, creando un género popular y reconocible a partir de la combinación de una serie de subgéneros. Un género, por otra parte, muy restringido y acotado por unas reglas bastante rígidas que a simple vista no concuerdan con el sentido de la maravilla y el-todo-es-posible que se le podría atribuir a la fantasía épica. Existen excepciones, por supuesto, y posiblemente una de las claves del éxito de la saga Canción de Hielo y Fuego de George R. R. Martin en cualquiera de sus versiones sea saber distanciarse de esas reglas y argumentos que la fantasía arrastra desde la irrupción de la obra de Tolkien, copiada y estirada hasta el hartazgo [1].

Y aunque a estas alturas suene a frase manida, que lo es, esa etiqueta de "un Señor de los Anillos adulto", si bien no es del todo cierta y acertada, sí que ayuda bastante para que el neófito pueda acercarse a la obra libre de prejuicios y preparado para lo que se le va a contar. Y es que el fenómeno ha terminado de explotar con la producción de una serie de televisión para el canal HBO, en lo que ha sido una jugada lógica y consecuente si tenemos en cuenta las tablas como guionista de televisión de Martin y la influencia de ello en el estilo de narración de la saga.

Así pues, Juego de Tronos (HBO, 2011-...), adapta, casi al pie de la letra, todas las características principales del libro en que se basa. Más centrada en los diálogos y en desarrollar personajes repletos de matices que en la acción misma, la serie propone una visión desmitificadora del género posicionando la lupa en las desavenencias de los poderosos que, distraídos en sus juegos de traiciones y guerras, se olvidan de sus tareas como protectores del pueblo y de las amenazas exteriores, bastante más importantes y peligorsas que mantener el honor y riqueza de las grandes casas que abanderan.

Como adaptación de una obra de éxito que es, Juego de Tronos juega en desventaja respecto al espectador conocedor de la historia. Y es que, como le ocurre a cualquier adaptación, es imposible competir con la imaginación de un lector. Imposible. Pero a parte de lo acertado o no de algunas decisiones a la hora de trasladar ciertos eventos a la pantalla, lo más significativo de esta adaptación es la introducción de ciertas escenas y diálogos que cumplen la función de desarrollar a ciertos personajes importantes que, debido a que la narración original de los libros se basa en puntos de vista, en esta primera parte de la serie hubieran tenido menos protagonismo y profundidad [2]

Juego de Tronos no está a la vanguardia de las series, esa posición está ocupada por producciones más experimentales y arriesgadas que ella como Treme, Breaking Bad o Mad Men, pero es un soplo de aire para todo aquel que busque una teleserie que no esté supeditada al corsé creativo de los canales en abierto y que le produzca maravillarse y tensionarse al mismo tiempo. Ni más, ni menos.

[1] El bien contra el mal, la luz contra la oscuridad o el héroe anónimo que afronta su inevitable destino como salvador de todo el universo conocido frente a la ambigüedad generada por diferentes puntos de vista y personajes esclavos de una condición que les acerca más a la derrota y la muerte que al heroísmo, como propone CdHyF.

[2] Sin duda, personajes como Jaime Lannister y Theon Greyjoy son los más beneficiados por esta decisión. Personajes de los que no conocemos su verdadera personalidad y puntos de vista sobre los acontecimientos hasta bien entrados en la saga y que, de esta manera, empiezan a dibujarse antes de que el protagonismo recaiga más en ellos.

20 de junio de 2011

Volviendo a ver: Breaking Bad (III)

Hasta que Álex no me despida por pesado voy a continuar con mi revisión particular de Breaking Bad. He de decir que cada vez se me acumulan más notas de cada episodio así que estoy filtrando lo menos importante para que no me queden entradas kilométricas (y aún así...). Algo que quería comentar: de momento el formato episódico me parece el más apropiado para esta revisión, pero ahora que estoy viendo la 2da temporada probablemente cambie de formato más adelante para comentar aspectos más generales e interesantes. Ya lo explicaré en su momento. Como siempre:


¡Spoilers criminales a continuación!

s01e04: Cancer Man

Personalmente, creo que Albuquerque tiene un nuevo kingpin.
                                                                                       - Hank
 Mientras tanto, Walter se lava los dientes en su casa...

  • Skyler sugiere que el cancer se puede haber originado en la época universitaria de Walt, cuando pasaba horas en el laboratorio sin la protección adecuada. A pesar de que Walt lo niegue, creo que da bastante que pensar sobre todo teniendo en cuenta lo que nos revelan más adelante: trabajando en la universidad, Walt pasó de ser un genio de la química a ser un profesor de escuela pública. Yo creo que esta primera temporada pretende dar a entender que ese momento en particular fue la semilla de todo lo que le está pasando y me parece brillante que nos lo cuenten mediante escenas cortas y desordenadas.
  • Habiendo visto ya la serie, me resulta espectacular el cambio gradual en la mirada de Skyler. Anna Gunn me parece una actriz fenomenal, capaz de transmitir muchísimo con el lenguaje corporal, y viendo este episodio otra vez me doy cuenta del brillo inocente en los ojos de Skyler y como se va perdiendo a medida que va descubriendo la verdad.
  • Una de mis escenas favoritas de la serie: Jesse colocado y paranoico ve por la ventana que dos moteros armados tocan a su puerta y sale corriendo por la puerta de atrás. Al no recibir respuesta, los Testigos de Jehová continúan su recorrido en bicicleta. Una vez más Breaking Bad condensa en una escena tensión dramática, violencia potencial y un sentido de la ironía hilarante.
  • Estoy disfrutando mucho las escenas que muestran lo infantil que es Jesse: su reunión con los amigos, viendo sus antiguos juguetes en casa de sus padres. El detalle del dibujo de Walter es genial y me llamó la atención el examen suspendido de química: sale la frase "Apply yourself", una frase típica de profesor que Walter dice más de una vez y que más adelante Jesse utiliza para motivar a sus vendedores.
  • Me fascina la presencia del oncólogo de Walter. Te crees que sea el mejor del país. Por momentos, su calma y seguridad me recuerdan a Gustavo...
  • Este episodio tiene una de esas frases-bofetada, de las más fuertes de la serie:
Then why don't you just fucking die already?
                                                          - Walter Jr.

s01e05: Gray Matter
  • Badger aparece de la nada como un ángel de dinero. Me encanta cuando la serie hace cosas en sentido literal y figurado a la vez.
  • En la escena de la fiesta descubrimos el importante rol que juega el orgullo en la personalidad de Walter, lo cual explica (más adelante) muchas decisiones que de otra manera serían ilógicas. La vergüenza y la incomodidad de Walter da a entender de antemano que Elliot es una persona importante en al historia, y cuando aparece Gretchen, si has prestado atención en el episodio 3, todo empieza a cuadrar.
  • Una vez más aparece la simbología de los colores: Elliot se apellida Schwarz, negro en alemán, que junto al White de Walter forman Gray Matter, materia gris, que hace referencia al cerebro pero también se pueden interpretar connotaciones morales. Ah, qué bonito.
  • Hank vuelve a utilizar la frase "I didn't think he had it in him", que define perfectamente su opinión sobre Walter y explica por qué nunca sospecharía de él por más que tenga razones.
  • La escena de la intervención a Walt me parece brillante. Los 5 personajes exponen argumentos totalmente válidos entre si y demuestran lo profundamente jodido que es tomar una decisión en una situación así. No puedo decirlo por experiencia propia, pero creo que las personas que tengan o hayan tenido una persona con cáncer en su familia sabrán apreciar la sensibilidad y el realismo con el que se trata el tema en esta serie. Otra escena de 10 minutos de duración, por cierto.
  • Al final, la intensa charla telefónica con Gretchen nos confirma que lo que pasó en la universidad es muy importante para Walt. Este tema se retoma en la segunda temporada.
Wanna cook?

16 de junio de 2011

Volviendo a ver: Breaking Bad (II)

Continuo con mi maratón de Breaking Bad, como verán la idea es publicar entradas con frecuencia para no perder la inercia e intentar terminar antes de que empiece la nueva temporada. Por si no quedó claro en la entrada anterior, no estoy haciendo una recapitulación ni voy a contar todo lo que pasa en la serie, simplemente estoy concentrándome en detalles que no recordaba o que solo se pueden percibir viendo la serie por segunda vez. Por cierto, si alguien se anima se puede unir a esta noble causa como lo va a hacer Adri. Seguro que hay detalles que se me escapan.

¡Spoilers criminales a continuación!


s01e02: Cats in the Bag…


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  • Si el primer episodio es la introducción, estos dos siguientes (que están relacionados por el título) se encargan de establecer el tono de la serie. A lo largo del episodio vemos que el humor negro (a veces negrísimo) y la violencia cruda van de la mano en esta historia.
  • De nuevo la clase de química de Walter es un gran paralelismo con lo que le está pasando. En esta ocasión explica el concepto de isomería y los compuestos quirales, que son compuestos quimicos que tienen la misma fórmula pero propiedades distintas. Son como nuestras manos: idénticas y sin embargo opuestas, ambos lados de un espejo.
  • La escena final con Jesse deshaciéndose de Emilio sigue siendo impresionante. El sonido de los trozos de carne cayendo al suelo está muy bien conseguido.
s01e03: …and the Bag’s in the River


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  • Este fue el primer episodio que me sorprendió porque no recordaba lo excelente que era. En la escena inicial vemos en paralelo a Walt y Jesse limpiando los restos de Emilio descompuestos por el ácido y, en el primer flashback oficial de la serie, a un Walter en su época universitaria[1] estudiando la composición centésimal del ser humano. Brutal el momento en que pregunta por el porcentaje de Calcio y el Walter del presente coge un trozo de mandíbula. La escena termina de forma magistral: el Walt del pasado suma el total del porcentaje y le falta un 0.111958% para llegar al 100%. Mientras vemos al Walt presente volcar un cubo de restos humanos líquidos por el inodoro, el Walt del pasado dice:
Parece que falta algo, no? Tiene que haber algo más en un ser humano que todo eso.
Y lo mejor de todo es que el episodio recién empieza.
  • El plato principal del episodio son las escenas de Walt con Crazy 8 y su lucha interna por hacer lo moralmente correcto. Este episodio tiene una escena clave que resume perfectamente la lógica de Walter durante toda la serie: cuando está haciendo una lista de pros y contras (la descomposición más básica de una decisión) sobre matar o no a Crazy 8. En la lista de pros pone cosas como: “es lo moralmente correcto”, “no podrás vivir contigo mismo”, “la vida es sagrada” o “no eres un asesino”. En la lista de contras solo está “matará a toda tu familia si lo dejas escapar”. Queda claro, no?
  • La charla entre Walt y C8 es una escena larguísima para un episodio de televisión (dura 10 minutos, 1/4 del episodio) y es probablemente la despedida definitiva del Walter “blanco”. Por un momento llegué a pensar: Crazy 8 habría sido muchísimo mejor compañero que Jesse.
  • Cuando Walt resuelve el puzzle del plato vemos una vez más lo minuciosa que es esta serie con cada mínimo detalle. La reacción de Walter es tremenda, realmente pensaba dejarlo ir y también supone una especie de pérdida de inocencia. Y de nuevo, la escena violenta del episodio es BRUTAL y no tengo ni idea de cómo consiguieron los efectos especiales.
  • El enlace al final con la escena del principio termina de rematar un episodio perfecto: el Walter del pasado se pregunta qué es lo que falta y su compañera le sugiere que puede ser el alma. Walter le responde:
¿El alma? Aquí no hay más que química.
BOOM! [2]
[1] El flashback tiene un detalle que cobra más importancia en episodios futuros, la relación entre Walter y su compañera de la universidad. Ver episodios 5 y 6 para más información ;)
[2] Es el sonido de tu cabeza explotando.
[3] ¡Nos encantan los apéndices!

13 de junio de 2011

Volviendo a ver: Breaking Bad (I)

Con motivo del inminente estreno de la 4ta temporada de Breaking Bad (indiscutiblemente, la serie favorita de quien escribe) decidí volver a ver las tres temporadas ya emitidas y comentar mis impresiones en mi Tumblr personal. Esta idea pareció gustarle a Álex y me amenazó pidió por favor si podía reproducir las entradas en este blog para que tuvieran mayor difusión. Así que de aquí al 17 de Julio publicaré regularmente comentarios sobre los episodios que vaya viendo. Y de paso convenzo a Álex para que vea esta excelente serie de una buena vez...


Demás está decir que habrá spoilers criminales, así que si no has visto la serie hazle click a la cruz roja de la esquina superior derecha o lee otra de nuestras simpáticas entradas.



s01e01: Pilot




Ya desde el principio me doy cuenta de que esta revisión va a ser mucho más interesante de lo que esperaba. El hecho de ya conocer la historia me permite concentrarme mucho más en los detalles, y esta serie tienen unos cuantos. Se aprecia mucho mejor la simbología de la serie, el constante uso de pequeñas metáforas y las mil y una tonalidades misteriosas del color verde. Incluso "desenterré" una gran frase que no recordaba: cuando Hank y su compañero están esperando en el coche a que los SWAT (no son SWAT, pero se entiende) entren al laboratorio de Emilio y Pinkman, Hank no sabe decir de qué color es la casa y su compañero le dice algo así como: "Es color salvia, no es mi culpa que la única palabra que conozcas sea verde". Muy grande.

Otra cosa que me sorprendió es como ya desde el primer episodio muestran la estructura narrativa que se convertirá en recurrente y en una de sus principales señas de identidad. Pocas series tienen tan claro un estilo tan particular desde el primer momento. Y en ese sentido, volver a ver la serie me está ayudando a darme cuenta de cuántas cosas que evidentemente se explotan más adelante, ya estaban pensadas desde el primer episodio. Me pareció muy interesante la penúltima frase de Skyler, que vaticina su actitud durante toda la serie:
Sea lo que sea te voy a decir una cosa: no me gusta cuando no hablas conmigo. Lo peor que puedes hacer es dejarme de lado.
Y tanto que lo es...

Más detalles (y aquí es cuando revelo mi gusto por las críticas de Alan Sepinwall):

  • Recordaba perfectamente la escena en la que Walter explica química con pasión y se ve rápidamente frustrado por su alumno. Creo que, junto a su trabajo de lavacoches, resume con precisión y rapidez el estado anímico de Walter.
  • No recordaba que cuando Walter cae enfermo por primera vez, estaba mirando a una mujer con un vestido, como no, verde. La constante presencia del color durante toda la serie es uno de mis detalles favoritos, me resulta hipnótica y perturbadora a la vez.
  • Gran alegría al escuchar el "Tamacún" de Rodrigo y Gabriela.
  • Tampoco recordaba la toma tarantiniana desde dentro del maletero ni que Jesse nombraba el título de la serie:
Come on, man. Some straight like you, giant stick up his ass, all of a sudden age what, sixty, he's just gonna break bad?
Exactamente.

10 de junio de 2011

Workaholics


El canal Comedy Central para mi es algo así como La Masía de la comedia en la televisión americana. Su especialización en risotadas le permite emitir proyectos tan raros y personales como The Sarah Silverman Program, Important Things with Demetri Martin o series de animación tan poco mainstream como South Park o Ugly Americans. Su filosofía de contratación prioriza el talento por encima de la popularidad, dándole oportunidades a gente como Stephen Colbert, John Stewart, cómicos de stand up desconocidos o, como lo que nos ocupa hoy, series de internet.


Workaholics es una comedia salida de Mail Order Comedy, una web formada por cuatro amigos que subían sketches a YouTube y se hicieron tímidamente conocidos por un videoclip en el que salían rapeando disfrazados de magos. En la serie, Adam, Blake y Anders hacen de versiones exageradas de si mismos: tres amigos recién salidos de la universidad que viven en un estado permanente de inmadurez e intentan trabajar lo menos posible en una empresa de telemarketing. La principal baza de la serie es la química entre sus protagonistas, la frescura de los diálogos y el gran componente de improvisación en muchas escenas. El sentido del humor de la serie bebe mucho del gamberrismo y la ausencia de filtro moral de It's Always Sunny in Philadelphia: los episodios comienzan con una situación cotidiana y los tres amigos no tardan en transformarlas en hilarantes disparates de incorrección. Se me viene a la mente el episodio en que se citan con un pederasta habitual de foros de Justin Bieber y terminan haciéndose amigos porque es un tío cojonudo.

Como conclusión, además de recomendar Workaholics por la cantidad de carcajadas que me arrancó, extraigo que hay un enorme talento escondido en internet que merece ser visto por el gran público y que ignorándolo, las cadenas de televisión están cavando su propia tumba. Actualmente hay producciones en internet (pocas pero cada vez más) que no necesitan ni el dinero ni la difusión de la televisión (me llena de orgullo y satisfacción poder citar un ejemplo nacional, la maravillosa Malviviendo) para ofrecer ideas originales y de calidad. En este blog son bienvenidas.

8 de junio de 2011

A good man goes to war



Desde el relanzamiento de la serie en 2005 las audiencias parciales de las segundas partes de temporada de Doctor Who siempre han bajado en comparación a la de los primeros episodios. Y aunque después de sumarles las reposiciones y reproducciones online por el iPlayer de la BBC los números se suelen equilibrar, rondando los 10 millones de media por episodio, lo cierto es que el parón que va a sufrir la serie hasta septiembre se debe, bastante, a esta circunstancia. Una oportunidad de oro, dicho lo cual, para que Steven Moffat cree un cliffhanger lo suficientemente importante como para hacer que al termino del verano, cuando los espectadores ya no estén tan tentados de salir de casa por el buen tiempo, la expectación sea máxima (y las audiencias, también).

Hace ya un par de años desde que el propio Mofffat se encargara de introducir a la Profesora River Song con milimétrica planificación [1], gestando la figura del Undécimo Doctor. El esquema Moffat, el de verdad, se basa en plantear respuestas más grandes que las propias preguntas que nunca suponen un cierre, si no un nuevo cruce de caminos que desemboca en un juego de especulaciones y cuestiones lo suficientemente atrayentes como para poder desarrollar, paralelamente, el conjunto de historias autoconclusivas que han definido siempre a la serie.

En este A good man goes to war, entre homenajes estéticos a Star Wars (y a la propia serie con esa reunión de monstruos clásicos), Moffat ha revelado quien es River Song [2], y más que cerrar incógnitas y debido a la naturaleza de esa identidad, abre una nueva serie de reinterpretaciones a lo sucedido hasta ese momento. Y por el camino eleva al Doctor hacia nuevos y furiosos caminos que Matt Smith se encarga de escenificar a la perfección con un juego de muecas imposibles mientras que heroíza y da dimensión a los acompañantes, que se erigen, más que nunca, como elementos centrales de la historia.

Y al final el Doctor ríe y promete que todo saldrá bien. Como siempre hace, aunque sea imposible que así sea. Un cierre esperanzador que clausura una mitad de temporada que empezó con mucha fuerza, poniendo todas las cartas sobre la mesa, se diluyó a base de piratas, se salió de la tangente al presentar un visión personalísima de la serie en el fan fiction llevado a las últimas consecuencias escrito por Neil Gaiman y que jugó al despiste, doppelgängers mediante, en otra doble historia que tiraba mucho del espíritu clásico de la serie y que servía de introducción a un delirante y precipitado final.

Ahora toca esperar hasta septiembre para comprobar si el puzzle temporal sigue siendo tan trepidante como hasta ahora. ¿El gancho? Nada de trailers y un sugerente, y me atrevo a presagiar que embustero, título. Lets Kill Rory Hitler.

[1] A sabiendas de que él sería el responsable de Doctor Who tras la cuarta temporada, Steven Moffat introdujo el personaje de River Song en el díptico Silence in the Library/Forest of the Dead (4.8, 4.9). Y a vista pasada se puede comprobar hasta que punto estaban trazadas las intenciones del guionista.

[2] SPOILER: Melody Willimas Pond, para los allegados. Hija de Amelia Pond, la chica que esperó, y de Rory Williams, El Último Centurión, el humano que pese al reseteo universal que el Doctor llevó a cabo en The Big Bang (5.13) sigue manteniendo la memoria, y el traje, del Rory Auton. Gestada en la TARDIS, y expuesta a la energía de esta, poseedora de ADN Time Lord. Un follón, vamos.

5 de junio de 2011

Departamento de Estadísticas Inventadas (III): El Método Moffat


Como los lectores ya sabrán, éste es un blog de Doctor Who que cada tanto habla de otras series claramente inferiores. Por eso, para conmemorar el final de la primera mitad de la 6ta temporada (que yo todavía no vi, pero Álex seguro que está en su casa saltando por las paredes), traemos en exclusiva el diagrama de flujo que utiliza Steven Moffat para escribir sus guiones. Nunca falla.


4 de junio de 2011

Los tops de Basura and TV: Team Starkid


El Team Starkid es una productora teatral creada en 2009 por un grupo de estudiantes de la Universidad de Michigan. Sí, han leído bien, teatro, y es que en el top de hoy no vamos a hablar de ninguna serie de televisión, o no directamente, si no de las cinco producciones que este grupo de actores, músicos y guionistas cuentan en su haber y que se han convertido en todo un fenómeno de masas gracias a YouTube. Empecemos:

Little White Lie:


Aunque es una producción anterior a la creación de Starkid como tal, es el germen de todo lo que vendría después. Al contrario que el resto de obras, Little White Lie es una serie online de once episodios grabados en 2007 financiado con el dinero que el grupo ganó gracias a un concurso del canal de cable SOAPnet. Muchos de los que podríamos incluir en el núcleo duro del grupo ya se encuentran esta Little White Lie. Los hermanos Lang como escritores y directores, Darren Criss, Brian Holden, Lauren Lopez, y Jim Povolo daban los primero pasos en una serie que hubiera pasado inadvertida si no fuera porque dos años después el grupo se haría nacionalmente famoso gracias a...


[+] A Very Potter Musical en el canal del grupo en YouTube (inglés).
[+] A Very Potter Musical subtitulado al castellano.
[+] Banda Sonora Original en descarga gratuita.

A Very Potter Musical es una parodia de la saga de libros y películas de Harry Potter que no sigue al pie de la letra los acontecimientos de las mismas y que fue por primera vez interpretada en un teatro en Abril de 2009. Pero no sería hasta que la grabación de la obra fue subida a YouTube cuando esta comenzara a convertirse en un éxito, llegando a estar entre los 10 mejores virales de YouTube seleccionados por Entertainment Weekly.

A Very Potter Musical es un musical realizado por fans y para fans ambientado en el segundo año en Hogwarts de Harry Potter (Darren Criss) y enlaza con argumentos vistos en los primeros, cuartos, sextos y séptimos libros de la saga. Por su carácter amateur, y al no haberse concebido como una producción para ser reproducida en pantalla, la calidad del audio es baja al igual que el acabado técnico. Pero es suficientemente esclarecedor como para admirar los ingredientes que convirtieron A Very Potter Musical en el producto de culto que actualmente es. Canciones pegadizas, buenos guiones interpretados por un puñado de buenos jóvenes actores y humor, mucho humor.

Y si hubiera que destacar una sola cosa de esta obra, una que estuviera por encima de todas sería el Draco Malfoy de Lauren Lopez, que se convierte en el autentico protagonista de la obra en cada aparición y que posiblemente sea el mejor personaje salido de la imaginación de este Team Starkid.

Me and My Dick:


El mismo año que A Very Potter Musical el grupo estrena su segunda producción, Me and My Dick, una historia sobre la adolescencia, el sexo y de jóvenes que hablan y cantan, literalmente, con sus genitales. Con los hermanos Lang escribiendo, y Joe Ritcher, Joe Walker, Jaime Lyn Beatty y Devin Lytle (Ron Weasly, Lord Voldemort, Ginny Weasly y Cho-Chang repsectivamente en AVPM) como principales protagonistas, Me and My Dick consigue que su banda sonora sea la primera producida por un grupo universitario en aparecer en el Top 100 de Billaboard.

Con una producción mejorada respecto a la anterior obra gracias a el éxito y ganancias conseguida con a A Very Potter Musical, Me and My Dick se convierte rápidamente en otro éxito viral del grupo. Y eso que ni Lauren Lopez ni Darren Criss, dos de los mayores talentos del grupo, aparecen en ella de forma significativa (su participación se reduce a un cameo por parte de la primera y a la composición de la música por parte de él). 

A Very Potter Sequel:

[+] A Very Potter Sequel en el canal del grupo en YouTube.
[+] A Very Potter Sequel subtitulado al castellano.
[+] Parte de la Banda Sonora Original en descarga gratuita.
[+] Banda Sonora Original recopilada en el disco A Very Starkid Album para comprar en iTunes.

Con la semilla plantada y el éxito del grupo creciendo cada vez más, en 2010 se representa la secuela de la obra que dio pie a todo. Tal es el fandom que Starkid empieza a tener que la banda sonora, recopilada en el álbum llamado A Very Starkid Album, se mantiene durante semanas en las listas de ventas de Itunes por encima de los disco de Glee o la mismísima Lady Gaga.

La historia de A Very Potter Sequel se sitúa en el primer año de Harry Potter y sus amigos en Hogwarts, por lo que en realidad se trata, además, de una precuela que abarca argumentos vistos en los primeros, terceros y quintos libros de la saga. Tal como sucedió con Me and My Dick, la obra cuenta con más medios económicos y una preparación y coreografías que empiezan a alejarse del amateurismo de los inicios del grupo.

Y eso no es todo, porque todo hace indicar que el proyecto para 2012 del grupo es una terecera parte que cierre la saga como una trilogía. Pero antes de ello...

Starship:

[+] Starship en el canal del grupo en YouTube (inglés).
[+] Banda Sonora Original para comprar en iTunes.
[+] DVD de Starship.

Sin Darren Criss, aupado al estrellato con su papel en Glee, y la mayoría de sus miembros ya graduados, en Abril de este año se estrena la última producción de Starkid hasta la fecha, Starship. El argumento de Starship se sitúa en un planeta habitado por bichos antropomórficos y sigue la historia de Bug (Joe Ritcher), que sueña con convertirse algún día en un soldado intergaláctico y abandonar el nido y sus funciones.

Con prácticamente el mismo grupo de actores, directores y escritores, Starship parodia y homenajea muchos de los elementos más significativos de la space opera. Con decenas de marionetas a tamaño real y multitud de escenarios, es el proyecto más ambicioso de Starkid hasta la fecha. Es más, la versión final que se puede ver en YouTube está extraída del DVD grabado para la ocasión, donde se puede observar gran cantidad de trabajo de posproducción.

1 de junio de 2011

The Shadow Line


Los británicos utilizan el termino drama serial para hacer referencia a lo que comúnmente nos referimos como miniserie. En el caso que nos ocupa lo de mini parece que es hasta anecdótico porque The Shadow Line contará con siete episodios, que son los mismos, o incluso más, de los que suelen tener muchas series de allí por temporada. Pero permítanme que deje atrás el wikipedismo y les cuente en un par de párrafos, y otro par de apéndices, que es esto de The Shadow Line.

The Shadow Line es un drama policial emitido por BBC2 (en el momento de escribir estas líneas se han podido ver cuatro de los siete episodios con los que contará) ideado, escrito y dirigido por Hugo Blick y protagonizado por, entre otros, Chiwetel Ejiofor y Crhistopher Ecclestone, dos actores que los aficionados a la ciencia ficción recordarán por sus papeles en Serenity y Doctor Who respectivamente. La historia se centra en el asesinato de Harvey Wratten, capo de la droga londinense, y en la investigación paralela por parte de la policía y de los miembros de la organización criminal para descubrir la identidad e intenciones del asesino.

A falta de ver la resolución de la historia, esa shadow line que le da el título a la serie hace referencia a los comportamientos, ambiciones y actos de los personajes [1]. Huyendo de una diferenciación maniquea de buenos y malos The Shadow Line propone una atmósfera inquietante y tensa y la rodea de intriga y misterio en lo que al pasado de los personajes se refiere. Largos y pausados diálogos, una violencia explicita cuando es necesaria, el escaso uso de música incidental y una seriedad y solemnidad absolutas son los elementos que construyen ese ritmo tenso que siempre parece estar a punto de romperse y dar paso a la desgracia.

Está por ver, pues, si esa línea seguirá separando tan difusamente a los personajes o si al final tanto misterio desembocará en un lugar común para todos. Sea como sea, la propuesta de The Shadow Line seguirá intacta. Alejar el policíaco de la acción y rapidez a favor de la intriga y la tensión.

[1] Policías que se venden al mejor postor, mafiosos con un fuerte sentido del honor y la familia, asesinos implacables que no derraman una gota de sangre más de la que es necesaria, periodistas capaces de cualquier cosa por conseguir una historia... estereotipos muy reconocibles en este tipo de historias,sí, que se alejan del discurso de buenas o malas personas independientemente del lado de la balanza en donde se sitúen. Cada uno de los personajes presenta una serie de claros oscuros en su personalidad y actos que, exceptuando los ejemplos más extremos, hace difícil la calificación moral de cada uno.

[+] El tema de entrada de la serie, por Emily Barker & The Red Clay Halo.
[+] De Dunphy y líneas difusas en el Diario de Mr. MacGuffin.